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Refik Anadol ilumina la fachada del Museo M+ de Hong Kong con su nueva ‘pintura de datos’ por IA

El célebre artista digital turco-estadounidense Refik Anadol estrena este 14 de octubre de 2026 su obra encargada ‘Winds of Hong Kong’ en la monumental fachada del Museo M+ de Hong Kong, frente al icónico puerto de Victoria. La monumental obra de arte público, que estará proyectada cada noche hasta el 7 de enero de 2027, utiliza algoritmos de inteligencia artificial generativa para transformar datos meteorológicos locales y patrones de vientos monzónicos en una fluida y espectacular «pintura de datos» en movimiento.

Inteligencia artificial y ecología urbana en el epicentro de la cultura visual

Esta intervención forma parte de la aclamada serie Winds of… iniciada por el artista en 2017. Mediante el empleo de inteligencia artificial para interpretar los sistemas de datos atmosféricos invisibles que rodean la urbe, Refik Anadol busca ofrecer una reflexión sobre el entorno ecológico urbano y la simbiosis entre tecnología y naturaleza. La pantalla del Museo M+, con 65 metros de altura y compuesta por miles de luces LED, constituye uno de los lienzos digitales públicos más grandes del mundo.

Bajo la dirección institucional de Suhanya Raffel y con el patrocinio del grupo bancario Julius Baer, el Museo M+ consolida su papel clave en el circuito internacional de arte contemporáneo y coleccionismo de nuevos medios, impulsando el diálogo entre el arte generativo, la investigación estética y el espacio público global.

2026-10-14

El Centro de Arte FMJJ acoge la presentación de Catapulta para internacionalizar el arte contemporáneo español

El Centro de Arte Fundación María José Jove (FMJJ), ubicado en A Coruña, acoge este miércoles 14 de octubre de 2026 a las 19:30 horas la presentación en Galicia de Catapulta, una plataforma estratégica diseñada para reforzar la proyección internacional de artistas emergentes y de media carrera en el ecosistema del arte contemporáneo. El evento se desarrollará en formato de mesa redonda con acceso libre en la sede institucional de la entidad en el polígono de A Grela.

La sesión contará con la participación de Mónica Carroquino, directora de Catapulta, y Susana González, directora del Centro de Arte FMJJ. Junto a ellas intervendrán las comisarias Agar Ledo y Violeta Janeiro, además de las creadoras Carme Nogueira y el dúo compuesto por Noa y Lara Castro. El debate analizará los retos de la internacionalización para los creadores radicados en España y las oportunidades de inserción en circuitos curatoriales globales.

Financiación de obras y mecenazgo estratégico para bienales internacionales

Catapulta es una iniciativa apoyada por coleccionistas e instituciones del sector, entre cuyos miembros fundacionales figuran el Centro de Arte FMJJ, la filántropa Francesca Thyssen-Bornemisza, el coleccionista Gabriel Calparsoro y ALKAR Contemporary. Su actividad se centra en la coproducción y financiación de piezas concebidas para certámenes de envergadura, como las obras de Eva Fàbregas para la Bienal de Estambul o de Regina de Miguel para la Bienal de Toronto, impulsando asimismo la presencia de creadores en la Bienal de Lyon.

Además de la producción artística, el proyecto promueve el Archivo Catapulta, una herramienta digital de acceso profesional que reúne los perfiles y expedientes de más de 350 artistas en el panorama español. Esta plataforma facilita la consulta a comisarios e instituciones internacionales, reforzando el mercado del arte contemporáneo, la mediación cultural y las redes de coleccionismo privado desde España hacia el exterior.

2026-10-14

Hortensia Herrero se consolida como la única mecenas española en la lista Top 200 Collectors de ARTnews

La mecenas y empresaria Hortensia Herrero ha sido reelegida por tercer año consecutivo en la prestigiosa clasificación global Top 200 Collectors, elaborada anualmente por la cabecera internacional ARTnews. Este reconocimiento confirma la relevancia de su labor en el coleccionismo de arte contemporáneo y sitúa a España en el mapa de los grandes mecenas del mercado internacional junto a figuras clave como Bernard Arnault, François Pinault y Miuccia Prada.

El pulso del mercado internacional y la visión frente al ‘trophy market’

En la edición de 2026, la publicación ARTnews ha centrado su análisis en el fenómeno del denominado trophy market, segmento del mercado secundario centrado en piezas históricas y codiciadas por las mayores fortunas del planeta. Frente a este enfoque de alta competición financiera, la presidenta de la Fundación Hortensia Herrero y promotora del Centro de Arte Hortensia Herrero (CAHH) en Valencia ha reafirmado una postura vertebrada en la divulgación cultural y la pasión estética, priorizando el acceso público al patrimonio frente al mero afán especulativo.

Impacto en el ecosistema del coleccionismo en España

La consolidación de la Colección Hortensia Herrero en los rankings globales supone un estímulo crítico para el mecenazgo privado en todo el territorio nacional, conectando el circuito levantino con polos culturales estratégicos como Madrid, Barcelona y el eje del valle del Ebro en Zaragoza. La presencia de fondos dedicados a creadores internacionales de primer orden como Anselm Kiefer, Olafur Eliasson o Jaume Plensa demuestra la capacidad de atracción e inversión en arte contemporáneo dentro del ecosistema español, consolidando una infraestructura de proyección internacional sustentada en el rigor institucional.

Vari Caramés, galardonado con el Premio Nacional de Fotografía 2026 por su poética visual y renovación estética

El fotógrafo gallego Vari Caramés (Ferrol, 1953) ha sido distinguido con el Premio Nacional de Fotografía 2026, galardón concedido por el Ministerio de Cultura de España y dotado con 30.000 euros. El jurado ha destacado la «vigencia y contemporaneidad» de una trayectoria de más de cuatro décadas que ha resultado fundamental para la renovación cultural en Galicia desde los años ochenta y para la consolidación de la fotografía artística en el panorama español e internacional.

Entre los argumentos del fallo, el tribunal ha subrayado su capacidad para ampliar las posibilidades expresivas de la disciplina mediante el uso de manchas, reflejos y sus emblemáticos desenfoques, recursos técnicos y conceptuales con los que ha aproximado la captura fotográfica a la abstracción pictórica. Asimismo, se reconoce la consolidación de un universo estético singular asentado en el realismo onírico, la sugerencia y la poética de lo cotidiano.

Una trayectoria autodidacta vinculada al coleccionismo y al lenguaje abstracto

Formado de manera autodidacta desde su adolescencia en A Coruña y Ferrol, cuando comenzó retratando el entorno con una cámara Voigtlander recibida de su padre, Vari Caramés ha desarrollado un cuerpo de trabajo donde el azar, la bruma y la luz atlántica actúan como catalizadores formales. A lo largo de su carrera ha expuesto en centros e instituciones de referencia, destacando proyectos como Algo. Nada. Siempre en la Sala Canal de Isabel II de Madrid (2022), Lugares (2019) o la publicación del fotolibro Bosque animado (2024).

La concesión de este galardón revalida el valor intrínseco de la fotografía pictórica y evocadora dentro del mercado del arte contemporáneo y el coleccionismo institucional en España, situando a Caramés en un palmarés histórico donde figuran nombres esenciales de la creación visual como Carmela García, Cristóbal Hara o Pilar Aymerich.

El Museo del Prado rescata la obra inédita de Ricardo de Madrazo en Madrid

El Museo Nacional del Prado en Madrid ha inaugurado la exposición «Ricardo de Madrazo (1852-1917): dibujos y acuarelas», una muestra inédita que saca a la luz la producción sobre papel del benjamín de una de las dinastías más influyentes en el arte español del siglo XIX. La exhibición, ubicada en la sala 60 del Edificio Villanueva dentro del programa Almacén abierto, estará abierta al público hasta el próximo 17 de enero de 2027.

Una maestría técnica ensombrecida por el entorno familiar

Comisariada por el conservador Pedro José Martínez Plaza, la exposición articula casi medio siglo de trayectoria creativa a través de cuadernos de bocetos, estudios preparatorios, acuarelas y un autorretrato. Pese a pertenecer a un linaje artístico fundamental junto a su padre Federico de Madrazo, su hermano Raimundo de Madrazo y su cuñado Mariano Fortuny y Marsal, la figura de Ricardo de Madrazo había permanecido relegada en la historiografía académica. La muestra pone de relieve su destreza técnica con el lápiz, la pluma y el pigmento acuoso, consolidada durante sus años de aprendizaje junto a Fortuny.

Cuadernos de viaje y estudio de grandes maestros

Gracias a la política de adquisiciones desarrollada por la pinacoteca entre 2006 y 2026, el museo ha reunido 29 cuadernos de trabajo del artista que documentan sus itinerarios artísticos por Tánger, Granada, Roma o Venecia, así como copias de maestros universales como Diego Velázquez realizadas en el propio museo. En palabras de Alfonso Palacio, director adjunto de conservación e investigación del Prado, se trata de una oportunidad excepcional para redescubrir piezas prácticamente inéditas esenciales para contextualizar la historia del arte y el coleccionismo histórico en España.

2027-01-17

El Banco de España revisita su patrimonio textil en diálogo con la creación contemporánea

La Sala de Exposiciones del Banco de España en la Plaza de Cibeles de Madrid acoge la exposición «El plano flexible. La colección de textiles del Banco de España», abierta al público hasta el 28 de marzo de 2027. Comisariada por Yolanda Romero, conservadora del banco central, la muestra reúne cerca de medio centenar de piezas que abarcan desde el siglo XVII hasta el arte contemporáneo del siglo XXI, resignificando la tapicería y la artesanía del tejido como una disciplina vertebradora de la arquitectura y la memoria colectiva.

De Anni Albers a las vanguardias contemporáneas del arte textil

El concepto vertebrador de la exposición toma como referencia teórica el ensayo The Pliable Plane: Textiles in Architecture (1957) de la célebre artista y tejedora de la Bauhaus, Anni Albers. La tesis de la muestra plantea que el tejido no actúa como un mero ornamento suntuario o elemento decorativo, sino como un dispositivo arquitectónico y político capaz de modular la luz, regular la acústica y articular el espacio institucional y doméstico.

El recorrido expositivo se divide en dos grandes bloques. El primero examina las colecciones históricas del Banco de España, destacando tapices y alfombras barrocas y clasicistas confeccionados por la Real Fábrica de Tapices o prestigiosos talleres flamencos e internacionales como los de Geraert Peemans, Urbanus Leyniers o Jacques Neilson. Estas piezas, concebidas originalmente para revestir estancias oficiales, reflejan el valor simbólico y la representación del poder de la institución bancaria.

Feminismo, trabajo y experimentación crítica en la creación actual

El segundo ámbito de la exposición aborda la reinterpretación contemporánea del textil como soporte de indagación social, política y de género. A través del trabajo de creadoras de reconocido prestigio internacional y nacional como Teresa Lanceta, Esther Ferrer, Elena del Rivero, Narelle Jubelin, Elo Vega, Yto Barrada, Patricia Esquivias, Mercedes Azpilicueta y Dora García, el hilo y la trama se transforman en herramientas conceptuales para reflexionar sobre la división laboral, el feminismo, el valor del trabajo artesanal y la memoria colectiva.

Esta muestra fortalece la divulgación del patrimonio histórico y el mercado de arte contemporáneo en España, situando el coleccionismo institucional en una posición de diálogo crítico entre la historia del arte clásico y las narrativas de vanguardia.

2027-03-28

Refik Anadol ilumina la fachada del Museo M+ de Hong Kong con su nueva ‘pintura de datos’ por IA

El célebre artista digital turco-estadounidense Refik Anadol estrena este 14 de octubre de 2026 su obra encargada ‘Winds of Hong Kong’ en la monumental fachada del Museo M+ de Hong Kong, frente al icónico puerto de Victoria. La monumental obra de arte público, que estará proyectada cada noche hasta el 7 de enero de 2027, utiliza algoritmos de inteligencia artificial generativa para transformar datos meteorológicos locales y patrones de vientos monzónicos en una fluida y espectacular «pintura de datos» en movimiento.

Inteligencia artificial y ecología urbana en el epicentro de la cultura visual

Esta intervención forma parte de la aclamada serie Winds of… iniciada por el artista en 2017. Mediante el empleo de inteligencia artificial para interpretar los sistemas de datos atmosféricos invisibles que rodean la urbe, Refik Anadol busca ofrecer una reflexión sobre el entorno ecológico urbano y la simbiosis entre tecnología y naturaleza. La pantalla del Museo M+, con 65 metros de altura y compuesta por miles de luces LED, constituye uno de los lienzos digitales públicos más grandes del mundo.

Bajo la dirección institucional de Suhanya Raffel y con el patrocinio del grupo bancario Julius Baer, el Museo M+ consolida su papel clave en el circuito internacional de arte contemporáneo y coleccionismo de nuevos medios, impulsando el diálogo entre el arte generativo, la investigación estética y el espacio público global.

2026-10-14

El Centro de Arte FMJJ acoge la presentación de Catapulta para internacionalizar el arte contemporáneo español

El Centro de Arte Fundación María José Jove (FMJJ), ubicado en A Coruña, acoge este miércoles 14 de octubre de 2026 a las 19:30 horas la presentación en Galicia de Catapulta, una plataforma estratégica diseñada para reforzar la proyección internacional de artistas emergentes y de media carrera en el ecosistema del arte contemporáneo. El evento se desarrollará en formato de mesa redonda con acceso libre en la sede institucional de la entidad en el polígono de A Grela.

La sesión contará con la participación de Mónica Carroquino, directora de Catapulta, y Susana González, directora del Centro de Arte FMJJ. Junto a ellas intervendrán las comisarias Agar Ledo y Violeta Janeiro, además de las creadoras Carme Nogueira y el dúo compuesto por Noa y Lara Castro. El debate analizará los retos de la internacionalización para los creadores radicados en España y las oportunidades de inserción en circuitos curatoriales globales.

Financiación de obras y mecenazgo estratégico para bienales internacionales

Catapulta es una iniciativa apoyada por coleccionistas e instituciones del sector, entre cuyos miembros fundacionales figuran el Centro de Arte FMJJ, la filántropa Francesca Thyssen-Bornemisza, el coleccionista Gabriel Calparsoro y ALKAR Contemporary. Su actividad se centra en la coproducción y financiación de piezas concebidas para certámenes de envergadura, como las obras de Eva Fàbregas para la Bienal de Estambul o de Regina de Miguel para la Bienal de Toronto, impulsando asimismo la presencia de creadores en la Bienal de Lyon.

Además de la producción artística, el proyecto promueve el Archivo Catapulta, una herramienta digital de acceso profesional que reúne los perfiles y expedientes de más de 350 artistas en el panorama español. Esta plataforma facilita la consulta a comisarios e instituciones internacionales, reforzando el mercado del arte contemporáneo, la mediación cultural y las redes de coleccionismo privado desde España hacia el exterior.

2026-10-14

Sotheby’s saca a subasta las obras en papel clave del arte alemán de posguerra de la Colección Duerckheim

La sede de Sotheby’s en Londres celebra los próximos 15 y 16 de octubre de 2026 la subasta de un histórico conjunto de 44 obras sobre papel pertenecientes a la prestigiosa colección del conde Christian Duerckheim. Esta venta, estructurada entre la Contemporary Evening Auction y la Contemporary Day Auction, reúne piezas fundamentales de creadores que redefinieron el panorama plástico europeo tras la Segunda Guerra Mundial, incluyendo a Georg Baselitz, Gerhard Richter, Sigmar Polke, A.R. Penck, Blinky Palermo y Hermann Nitsch.

Un testimonio imprescindible de la memoria plástica europea

El núcleo central de la licitación lo constituye el grupo de obras sobre papel más relevante de Georg Baselitz que haya salido al mercado secundario en los últimos años, con estimaciones orientativas que oscilan entre los 234.000 y 410.000 euros por lote. Las piezas proceden de la mítica serie Helden (‘Héroes’), desarrollada a mediados de los años 60, donde el artista abordó la reconstrucción psicológica e identitaria de la Alemania dividida. Como ha destacado el propio Christian Duerckheim, esta colección no busca la complacencia estética tradicional, sino reflejar la compleja carga moral e histórica de un periodo determinante.

Impacto en el coleccionismo y el mercado internacional

Para el circuito del arte contemporáneo y los coleccionistas españoles que siguen de cerca las fluctuaciones del mercado de grandes maestros de posguerra, esta cita londinense representa un termómetro fundamental de la demanda de papel frente a la pintura sobre lienzo. La trayectoria de Duerckheim, iniciada en 1970 con la adquisición de estampas en Heidelberg, demuestra el valor intrínseco de las obras sobre papel como la vía más íntima y directa para comprender el proceso creativo del artista.

2026-10-15

Miguel Ángel Blanco culmina su trilogía de materiales extraordinarios con ‘La cabaña del ámbar’ en Madrid

El artista plástico Miguel Ángel Blanco inaugura el próximo 15 de octubre de 2026 la exposición ‘La cabaña del ámbar’ en el Museo Nacional de Artes Decorativas, ubicado en la calle Montalbán de Madrid. La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el 17 de enero de 2027, constituye el broche final a la trilogía expositiva que el creador ha dedicado a la investigación estética y plástica de materiales naturales singulares.

Tras abordar en proyectos anteriores sustancias como el lapis specularis, Miguel Ángel Blanco centra ahora su propuesta en el ámbar resinoso y su carga mitológica, estética e histórica. La exposición evoca la célebre Cámara de Ámbar de San Petersburgo —considerada históricamente una de las cumbres del arte decorativo universal— para reflexionar sobre la confluencia entre el poder, el coleccionismo de arte y el valor simbólico de la materia prima.

Un recorrido expositivo entre la naturaleza, el dibujo y el coleccionismo

Estructurada en tres salas articuladas de forma narrativa, la muestra arranca con una aproximación al ámbar en estado bruto, puesta en diálogo directo con una serie de dibujos inéditos ejecutados por el propio Miguel Ángel Blanco empleando polvo de ámbar sobre papel. Este cruce de disciplinas resalta la poética del material y amplía las fronteras tradicionales del grabado y la intervención escultórica.

En el segundo ámbito, el visitante encuentra una rigurosa selección de piezas históricas y objetos artísticos labrados en ámbar procedentes de destacadas colecciones públicas y privadas de España. El proyecto consolida al Museo Nacional de Artes Decorativas como un espacio de diálogo entre la creación contemporánea y las artes aplicadas, ofreciendo un hito imprescindible en la agenda cultural de la capital para el coleccionismo e inversión en arte contemporáneo.

2026-10-15

La Fundación Juan March explora seis décadas de recepción artística en ‘La transición estética. España, 1960-2020’

La Fundación Juan March en Madrid presenta la exposición ‘La transición estética. España, 1960-2020’, cuyo acto inaugural se celebra el próximo 16 de octubre de 2026. La propuesta ofrece una ambiciosa revisión crítica e historiográfica centrada en cómo el público español descubrió, asimiló e interpretó las corrientes del arte moderno y contemporáneo internacional durante las últimas seis décadas.

A diferencia de los relatos habituales centrados exclusivamente en la figura del creador, el proyecto comisariado por José María Parreño, Germán Labrador Méndez y Manuel Fontán del Junco coloca al espectador y al hecho expositivo en el núcleo del discurso. La muestra analiza cómo el ecosistema cultural español, afectado en la década de los sesenta por un desfase de casi treinta años con respecto al entorno internacional, logró vertebrarse progresivamente gracias al impulso de instituciones públicas y privadas, coleccionistas, galerías comerciales e iniciativas independientes.

Setenta y un casos de estudio sobre el coleccionismo, el museo y la vanguardia

Mediante un riguroso recorrido visual estructurado en 71 casos de estudio, la exposición reúne una destacada selección de obras pictóricas, esculturas, fotografía, piezas audiovisuales y documentación de archivo. El itinerario reconstruye momentos clave de la integración del arte internacional en el mercado y las salas de España, citando referencias históricas a firmas como Pablo Picasso, Andy Warhol, Henri Matisse y la creadora contemporánea Tania Bruguera.

La exposición, de acceso libre en la sede madrileña de la calle Castelló, permanecerá abierta al público hasta el 10 de enero de 2027. Constituye un acontecimiento de referencia dentro del circuito expositivo y del mercado del arte contemporáneo español, ofreciendo una mirada analítica indispensable sobre los hábitos de consumo cultural y la evolución de las prácticas curatoriales.

2026-10-16

El Quai d’Orsay Se Transforma en Escenario del Arte Contemporáneo Durante Art Basel París 2026

El Ministerio de Europa y Asuntos Exteriores de Francia abrirá de manera excepcional las puertas del histórico Hôtel du Ministre, ubicado en el emblemático Quai d’Orsay de París, para albergar la exposición colectiva ‘PASSAGES – Pas sages’ del 20 al 23 de octubre de 2026. La iniciativa, enmarcada en la programación cultural pública de la feria internacional Art Basel París 2026, establece un diálogo inédito entre la diplomacia internacional, la memoria arquitectónica del siglo XIX y las prácticas plásticas contemporáneas.

Una Coproducción Transdisciplinar entre Arte, Diseño y Diplomacia

La muestra cuenta con el comisariado de Krystyna Winckler y está coproducida por los creadores y diseñadores Thierry Lemaire y Harry Nuriev. La propuesta es el resultado de una colaboración institucional conjunta articulada entre la Cancillería francesa, las Manufactures Nationales – Sèvres & Mobilier national, el Centre national des arts plastiques (Cnap) y el Institut français.

A través de un recorrido concebido para conectar la escultura, las artes visuales contemporáneas, la alta artesanía y los archivos diplomáticos históricos, la exposición exhibirá trabajos de creadores seleccionados en las residencias internacionales impulsadas por la red cultural gala. Con acceso gratuito mediante reserva previa, la iniciativa pone de relieve el valor del arte y el coleccionismo como motores clave para la diplomacia cultural y el intercambio entre escenas creativas globales.

2026-10-20

Sonia Gomes y el Lenguaje de la Escultura Textil: Rumbo al Palais de Tokyo

La artista contemporánea Sonia Gomes (Caetanópolis, Minas Gerais, 1948) se posiciona como una de las voces más singulares de la escultura de fibra y el ensamblaje tridimensional. En el marco del perfil audiovisual Meet the artists publicado por Art Basel, la creadora afrobrasileña examina la carga existencial, el gesto artesanal y el reciclaje de materiales que definen su corpus artístico. Su práctica cobra especial relevancia internacional ante la inauguración de su exposición individual ‘Cœur sauvage’ en el Palais de Tokyo de París, abierta al público del 21 de octubre de 2026 al 14 de febrero de 2027.

La Transformación de la Materia: Memoria, Cuidado y Resistencia

La producción de Sonia Gomes se articula a partir del uso de tejidos en desuso, telas donadas, encajes, hilos y estructuras encontradas de madera y alambre, que la artista retuerce, ata y cose de forma intuitiva. Vinculada a sus raíces familiares y a la transmisión de conocimientos ancestrales de su abuela —partera y curandera tradicional en Brasil—, la obra de Gomes trasciende la noción convencional de artesanía para configurar formas escultóricas biomórficas y orgánicas cargadas de memoria colectiva. Como señala la propia artista, el trabajo con el material textil opera como un lenguaje de reparación, resistencia y afirmación identitaria frente a los relatos hegemónicos del arte.

Proyección Institucional y Mercado Secundario en Europa

Tras su participación en citas históricas como la 56ª Bienal de Venecia comisariada por Okwui Enwezor, el reconocimiento a la obra de Sonia Gomes refleja un interés creciente por parte del coleccionismo institucional y privado en el ámbito del arte textil y las prácticas decoloniales. La muestra panorámica en el Palais de Tokyo en Francia abarcará dos décadas de trabajo en diálogo directo con la arquitectura industrial del centro parisino. Este hito consolida la cotización y el rigor técnico de la escultura contemporánea latinoamericana en los circuitos europeos de alta valoración e inversión en arte.

\n2026-10-21

Para Site inicia una etapa nómada en Hong Kong para conmemorar sus 30 años de arte contemporáneo

El prestigioso centro de arte contemporáneo sin ánimo de lucro Para Site, referente indiscutible del ecosistema artístico de Hong Kong y del circuito institucional de Asia, ha anunciado de forma oficial que abandona su espacio en el distrito de Quarry Bay, donde ha tenido su sede principal durante los últimos once años. Coincidiendo con la conmemoración de su 30.º aniversario, la entidad se embarcará en un ambicioso programa itinerante y nómada que tomará diversos espacios urbanos e institucionales de la ciudad a lo largo de 2027.

Un modelo itinerante para redefinir el futuro institucional

Bajo la dirección ejecutiva de James Taylor-Foster, la institución utiliza esta fase de transición como un campo de pruebas para nuevos formatos curatoriales, alianzas comunitarias y dinámicas de mediación. Este giro estratégico se apoya en la serie de encargos artísticos Elsewhere in Me, iniciada a mediados de año con intervenciones de creadores clave como River Lin y Tong Wenmin.

La programación continuará durante los próximos meses con nuevos proyectos específicos, entre los que destacan las presentaciones del artista residente en Sídney Justin Talplacido Shoulder (Phasmahammer) en noviembre y de la creadora hongkonesa Yim Sui Fong en diciembre. La experiencia acumulada durante este año itinerante servirá para configurar las características y necesidades de su futura sede permanente en Hong Kong, cuya ubicación definitiva será revelada próximamente.

Tres décadas de vanguardia en el panorama internacional

Fundada en 1996 por un colectivo de artistas locales integrado por Patrick Lee, Leung Chi-wo, Phoebe Man Ching-ying, Sara Wong Chi-hang, Leung Mee-ping, Tsang Tak-ping y Lisa Cheung, Para Site comenzó su andadura en el barrio de Sheung Wan como una plataforma alternativa orientada al debate crítico y la experimentación en artes visuales. Su traslado a Quarry Bay en 2015 coincidió con la rápida expansión del mercado del arte contemporáneo en la región.

Para coleccionistas, comisarios y analistas del mercado del arte contemporáneo global, la transformación de Para Site reafirma la relevancia de los modelos de gestión artística flexibles y descentralizados, capaces de redefinir las dinámicas entre el espacio público, la producción artística y las instituciones culturales en entornos urbanos hiperdesarrollados.

2026-11-01

El CDAN de Huesca Clausura ‘Ellas Ilustran Botánica’ con un Ciclo de Talleres de Fotografía y Artes Plásticas

El Centro de Arte y Naturaleza (CDAN) de Huesca, institución de referencia en Aragón para el análisis de las relaciones entre creación contemporánea y paisaje, ha programado un ciclo de cinco talleres especializados para despedir la exposición ‘Ellas ilustran botánica’, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 1 de noviembre. Esta muestra internacional, surgida del grupo de investigación de la Universidad Complutense de Madrid y comisariada por Toya Legido y Lucía Moreno Diz, reúne más de 500 obras de 60 autoras para visibilizar la genealogía femenina en la ilustración científica y las artes visuales desde el siglo XVII hasta la actualidad.

Fotografía Analógica, Collage y Prácticas Contemporáneas en Huesca

El programa de actividades complementarias se desarrollará entre el 26 de septiembre y el 25 de octubre, ofreciendo una aproximación práctica a la fotografía experimental, el dibujo de campo y el collage gráfico. La propuesta se inaugura con el taller ‘Antotipia. La escucha de las plantas’, impartido por la fotógrafa Vicky Méndiz, donde los participantes explorarán los procesos primigenios de la fotografía del siglo XIX mediante el uso de jugos vegetales fotosensibles.

El sábado 3 de octubre, la artista Rakel Gómez Vázquez dirigirá la sesión ‘Lectura botánica situada: problemas de la tierra, problemas de la imagen’, articulando una reflexión crítica sobre el modo en que las representaciones plásticas condicionan la vinculación humana con el medio natural. Seguidamente, el domingo 11 de octubre, la creadora Susana Vacas desarrollará un taller de collage centrado en su objeto artístico-literario ‘Re-composición’.

Arte de Sitio Específico e Investigación Biológica

La recta final de la agenda formativa contará el domingo 18 de octubre con la participación de Gema Rupérez y su taller de archivo y dibujo ‘Yo también soy invasora’, concebido como una extensión procesual de su instalación ‘Especies invasoras’ presente en la colección expositiva. El ciclo concluirá el 25 de octubre con la sesión teórico-práctica ‘Insectos y flores a la conquista del mundo’, a cargo de la bióloga Lorena Escuer, que conectará la función del ecosistema con los fondos botánicos exhibidos en las salas del museo oscense.

Con esta iniciativa, el CDAN consolida su compromiso con la mediación cultural y la revalorización del patrimonio visual, situando a Huesca y al ecosistema artístico aragonés como puntos clave en el debate contemporáneo sobre arte, ciencia y perspectiva de género.

\n2026-11-01

Dan Bonssai y Maiky Maik, galardonados en el VI Premio de Arte Universidad San Jorge

El jurado de la sexta edición del Premio de Arte Universidad San Jorge. Call for artists ha dado a conocer el fallo oficial de la convocatoria, otorgando el primer premio al artista Dan Bonssai por su obra Atrapado, mientras que el accésit ha recaído en Maiky Maik con la pieza La Batalla del agua.

La propuesta ganadora de Dan Bonssai pasa a formar parte del fondo artístico de la Universidad San Jorge y recibe una dotación económica de 4.000 euros. Por su parte, el accésit concedido a Maiky Maik cuenta con un reconocimiento de 1.000 euros. Ambas piezas destacan por su solidez conceptual y técnica dentro del panorama de las artes plásticas y visuales contemporáneas ligadas a Aragón.

Exposición colectiva en la Galería Carmen Terreros de Zaragoza

Organizado por Cultura y Ediciones USJ en colaboración con la Galería Carmen Terreros, este certamen funciona como un puente de mediación entre los creadores emergentes y los ya consolidados, el ecosistema expositivo y el mercado del arte contemporáneo. En esta edición se seleccionaron siete proyectos finalistas de artistas entre los que se encuentran Gema Rupérez, Daniel Vera, Jorge Aliaga, Laura G. Escribano y Álex Bascuas, junto a los premiados.

La inauguración oficial de la exposición colectiva con las siete obras seleccionadas tendrá lugar el próximo 3 de noviembre de 2026 en la sede de la Galería Carmen Terreros en Zaragoza, antes de trasladarse en 2027 al espacio expositivo del campus universitario en Villanueva de Gállego. La inauguración estará precedida por un acto protocolario en el edificio grupo San Valero frente a la galería de arte, en la plaza de Santa Cruz.

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2026-11-03

Aurèlia Muñoz: Una Retrospectiva Clave Despliega el Universo Textil en el Museo Reina Sofía y el MACBA

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid acoge, hasta el 7 de septiembre de 2026, la exposición «Aurèlia Muñoz. Entes«, una ambiciosa retrospectiva dedicada a la artista catalana Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011). Esta muestra fundamental, que conmemora el centenario de su nacimiento, viajará posteriormente al Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), donde podrá visitarse desde el 5 de noviembre de 2026 hasta el 29 de marzo de 2027. La exhibición traza un recorrido integral por las más de 150 obras de Muñoz, consolidando su legado como pionera indiscutible en la renovación del lenguaje escultórico textil del siglo XX en España y a nivel internacional.

Un Legado Artístico que Trasciende el Tejido y la Artesanía

La práctica de Aurèlia Muñoz, inicialmente vinculada a movimientos como la nouvelle tapisserie y la Escuela Catalana del Tapiz, se caracterizó por su audaz experimentación, trascendiendo los límites tradicionales del tejido, la fibra o la artesanía. La artista empleó una combinación innovadora de técnicas ancestrales, como el macramé, el bordado y el anudado, con recursos contemporáneos, para dar forma a un universo creativo propio. La exposición revela la diversidad de su trabajo, desde sus primeros collages y ensamblajes de influencia surrealista y gótica, hasta sus monumentales bordados pictóricos y sus emblemáticas esculturas-cometa, conocidas como «pájaros-cometa», así como instalaciones realizadas con papel hecho a mano.

Temas y Perspectivas: Conciencia Ecosocial y Exploración del Ser

El título de la exposición, «Entes«, hace referencia a uno de los conceptos centrales en la obra de Muñoz: la creación de figuras plurales y sin género definido, a medio camino entre lo humano y lo animal, que habitan un espacio interespecie. Su producción artística no solo es una muestra de maestría técnica, sino también una reflexión profunda sobre el impacto de las crisis postindustriales en los ecosistemas terrestre, acuático y aéreo, temas que cobran hoy una relevancia crucial en el mercado del arte y el coleccionismo de arte contemporáneo.

La muestra, coorganizada por el Museo Reina Sofía y el MACBA, bajo la dirección científica de Manuel Cirauqui y el comisariado de Rosa Lleó y Sílvia Ventosa Muñoz (hija de la artista y responsable de su archivo), presenta más de 150 obras, muchas de ellas inéditas o poco vistas en museos, incluyendo una vasta selección de maquetas y dibujos desconocidos hasta la fecha. Este esfuerzo curatorial busca abrir nuevas perspectivas sobre su singular legado y reconocer el lugar que le corresponde en la historia del arte.

La recuperación de la obra de Aurèlia Muñoz subraya la importancia de revalorizar a artistas que, a pesar de su éxito internacional –su trabajo forma parte de colecciones como la del MoMA–, fueron parcialmente relegadas por un sistema del arte que históricamente ha masculinizado la pintura y feminizado las prácticas textiles, asociándolas erróneamente con la artesanía menor. Esta retrospectiva en Madrid y Barcelona no solo celebra su centenario, sino que también contribuye a reescribir la historia del arte español, destacando la influencia y visión de una creadora que anticipó muchas de las preocupaciones actuales en el arte global.

\n2026-11-05

El Museo Reina Sofía de Madrid presenta ‘La noche’, gran retrospectiva de Miguel Ángel Rojas

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acogerá en el Edificio Sabatini (Planta 0) de Madrid la exposición ‘La noche’, una amplia retrospectiva consagrada al artista colombiano Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946). La muestra, que podrá visitarse del 11 de noviembre de 2026 al 15 de marzo de 2027 y cuenta con el comisariado de María Wills Londoño, reúne más de cinco décadas de producción plástica a través de instalaciones, experimentación fotográfica y obras de investigación matérica con carbón, hojas de coca y pigmentos naturales.

Cuerpo, decolonialismo y discurso político en el arte contemporáneo

Considerado una de las figuras fundamentales del arte latinoamericano e iberoamericano contemporáneo, Miguel Ángel Rojas ha articulado su trabajo en torno a las tensiones sociales y políticas de Colombia: la violencia, el narcotráfico, el extractivismo en la Amazonía, las migraciones y la disidencia sexual. La penumbra, articulada tanto en la penumbra de las salas de cine analógicas de sus primeras fotografías como en los tonos oscuros de sus cartografías matéricas, actúa como vertebradora de toda la propuesta del creador.

Entre las piezas icónicas que reúne la muestra se encuentra la histórica instalación ‘Grano’ (1980), hito conceptual en el que el artista dispersa tierras de la región de Tolima sobre el suelo museístico para recrear el hogar de sus abuelos. Asimismo, destacan la pieza ‘El camino corto’ (2012), realizada con troquelados de hojas de coca y billetes de dólar, y la impactante serie fotográfica ‘David’ (2004), obra de referencia sobre las secuelas del conflicto armado y el dolor de las víctimas de minas antipersona.

Relevancia para el coleccionismo y el circuito del arte en España

La incorporación de Miguel Ángel Rojas a la programación oficial del Museo Reina Sofía consolida el diálogo transatlántico en las instituciones españolas. Esta gran monográfica se convierte en un hito de revisión historiográfica y de la valoración de mercado para inversores y profesionales del arte contemporáneo desde Madrid hasta Zaragoza y la comunidad cultural de Aragón.

\n2026-11-11

Miguel Ángel Rojas presenta la exposición ‘La noche’ en el Museo Reina Sofía de Madrid

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid acogerá entre el 11 de noviembre de 2026 y el 15 de marzo de 2027 la amplia retrospectiva ‘La noche’, dedicada al destacado artista plástico colombiano Miguel Ángel Rojas. Ubicada en la Planta 0 del Edificio Sabatini, la muestra reúne más de cinco décadas de trayectoria creadora a través de la fotografía, la instalación y la investigación matérica, abordando cuestiones clave para el arte contemporáneo iberoamericano como el extractivismo ambiental, la violencia política y la disidencia sexual.

Un recorrido crítico entre la memoria social y el lenguaje matérico

Nacido en Bogotá en 1946, Miguel Ángel Rojas es una figura clave en el mapa del coleccionismo de arte internacional por su capacidad para vincular la denuncia social con una poesía íntima y decolonial. La exposición plantea cómo la penumbra de las salas de cine analógicas de sus inicios evoluciona hacia cartografías construidas con materiales como el carbón, la hoja de coca, el dólar y tierras naturales.

Entre las piezas esenciales que se exhibirán destaca la histórica instalación ‘Grano’ (1980), un hito del arte conceptual que recrea el suelo de la morada familiar de los abuelos del artista en Tolima a partir de tierras dispersadas en el espacio museístico. Asimismo, la muestra incluye la serie ‘El camino corto’ (2012) y la emblemática fotografía ‘David’ (2004), obra que reflexiona sobre el cuerpo lesionado por el conflicto armado y las minas antipersona en Colombia.

Relevancia para el ecosistema del arte y el coleccionismo en España

La inclusión de Miguel Ángel Rojas en la agenda oficial del Museo Reina Sofía consolida el diálogo transatlántico en el circuito de exposiciones de España. Esta gran retrospectiva ofrece un valioso punto de referencia para comisarios, críticos e inversores en arte contemporáneo desde Madrid hasta Zaragoza y Aragón, reforzando la puesta en valor historiográfica de las prácticas analógicas y conceptuales de la región.

\n2026-11-11

El Museo Reina Sofía trae a Madrid la histórica instalación inmersiva ‘La Menesunda’ de Marta Minujín

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía acogerá del 18 de noviembre de 2026 al 8 de marzo de 2027 en la Planta 0 del Edificio Nouvel de Madrid la exposición La Menesunda según Marta Minujín, comisariada por el director de la institución, Manuel Segade, junto a Beatriz Jordana y Cayetano Limorte. La muestra supone la primera presentación en una institución pública en España de la reconstrucción de una de las instalaciones inmersivas más determinantes en la historia del arte contemporáneo global.

Un hito del happening y la participación multisensorial

Concebida originalmente en 1965 por la artista argentina Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y Rubén Santantonín para el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella en Buenos Aires, La Menesunda transformó la posición del espectador, sustituyendo la contemplación pasiva por un recorrido participativo y multisensorial. El término, procedente del lunfardo rioplatense, alude a la confusión o mezcla heterogénea de elementos, articulando salas con ambientaciones táctiles, luces de neón y estímulos sensoriales que quebrantaron los límites tradicionales entre arte y vida cotidiana.

Investigación histórica, coproducción internacional y mercado de arte

Esta reconstrucción es fruto de una rigurosa investigación iniciada en 2015 por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en colaboración directa con la artista, coproducida junto a la Tate Liverpool y tras su paso por espacios de relevancia internacional como el New Museum de Nueva York y Copenhagen Contemporary. Reconocida con el Premio Velázquez de Artes Plásticas en 2016 por el Ministerio de Cultura español, la trayectoria de Marta Minujín continúa siendo un referente fundamental tanto para el coleccionismo internacional como para las galerías e instituciones del ecosistema artístico en España, desde Madrid hasta plataformas de difusión en Aragón y Zaragoza.

Archivo documental y acciones históricas

La exposición en la capital española se completa con una selección documental centrada en los happenings, performances y acciones performativas desarrolladas por Minujín entre 1963 y 1985. A través de fotografías, bocetos y materiales de archivo, el itinerario aborda proyectos clave como Simultaneidad en simultaneidad o la histórica acción El pago de la deuda externa con choclos realizada junto a Andy Warhol, subrayando el valor procesual e historiográfico de una pionera de las vanguardias latinoamericanas.

2026-11-18

El Museo Reina Sofía Reconstruye ‘La Menesunda’ de Marta Minujín en Madrid

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía proyecta en su programación el desembarco de ‘La Menesunda según Marta Minujín’, una exhibición que ocupará la Planta 0 del Edificio Nouvel en Madrid del 18 de noviembre de 2026 al 8 de marzo de 2027. Comisariada por el director del museo, Manuel Segade, en colaboración con Beatriz Jordana y Cayetano Limorte, la muestra recupera una de las creaciones más determinantes en la historia de las instalaciones inmersivas y el arte de acción del siglo XX.

Hito del Happening y la Experiencia Multisensorial

Concebida originalmente en 1965 por Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) junto al artista Rubén Santantonín para el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires, ‘La Menesunda’ redefinió la relación entre la obra de arte y el público. Al sustituir la contemplación pasiva por un recorrido ambientado y participativo, la pieza propuso una inmersión sensorial donde el espectador se convirtió en el sujeto central del acontecimiento artístico. El término, extraído del lunfardo rioplatense para describir una mezcla o caos de elementos, sintetiza un circuito compuesto por salas de texturas cambiantes, luces de neón y situaciones de interacción física.

Documentación Histórica e Impacto en el Mercado de Arte Contemporáneo

La versión que se exhibe en Madrid es el resultado de un exhaustivo trabajo de investigación iniciado en 2015 por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en estrecha colaboración con la artista. Coproducida junto a la Tate Liverpool y tras su paso por el New Museum de Nueva York y Copenhague, la propuesta recala por primera vez en una institución pública española. El proyecto se completa con un recorrido documental centrado en las performances y happenings realizados por Marta Minujín entre 1963 y 1985, con especial atención a acciones históricas como ‘Simultaneidad en simultaneidad’ o ‘El pago de la deuda externa con choclos’ junto a Andy Warhol. Reconocida con el Premio Velázquez de Artes Plásticas en 2016, la figura de Minujín se consolida como un pilar fundamental en el coleccionismo e investigación del arte latinoamericano en Europa.

2026-11-18

Arthur Jafa desmantela la supremacía visual en sus exposiciones simultáneas de Venecia y Nueva York

El artista, cineasta y videógrafo estadounidense Arthur Jafa (Tupelo, Mississippi, 1960) protagoniza uno de los momentos más determinantes del circuito artístico internacional de la temporada 2026. Con intervenciones simultáneas en la Fondazione Prada de Venecia —donde entabla un inédito diálogo con Richard Prince bajo el comisariado de Nancy Spector— y una gran retrospectiva en el New Museum de Nueva York titulada I Am Tony, el creador aborda frontalmente la historia de violencia racial y el archivo visual de su país frente a las crecientes tensiones políticas del movimiento conservador estadounidense.

De la Fondazione Prada al New Museum: la deconstrucción de la imagen norteamericana

En la sede veneciana de Ca’ Corner della Regina, la exposición Helter Skelter contrapone el trabajo de Arthur Jafa y Richard Prince en una muestra que se mantendrá abierta hasta el 23 de noviembre de 2026. La cita se ha consolidado como el referente oficioso de la Bienal de Venecia, ofreciendo una perspectiva crítica frente al pabellón oficial de los Giardini. A través de esculturas, montajes fotográficos y apropiacionismo audiovisual, Jafa examina las paradojas de la cultura afroamericana e interpela de forma explícita al poder establecido.

Paralelamente, la retrospectiva I Am Tony en el New Museum de Nueva York (disponible hasta enero de 2027) reúne piezas fundamentales de su trayectoria, entre las que destacan Love Is the Message, The Message Is Death y la célebre instalación The White Album, galardonada con el León de Oro a la mejor participación en la Bienal de Venecia de 2019.

Relevancia para el coleccionismo y el mercado contemporáneo

Las contundentes declaraciones de Arthur Jafa sobre la necesidad de ofrecer respuestas artísticas directas y no meramente oblicuas ante la coyuntura política reafirman la posición de su obra en la cúspide de la creación contemporánea. Para coleccionistas, críticos e instituciones en España y Europa, la trayectoria de Jafa certifica la vigencia del arte del archivo encontrado (found footage) e instalación inmersiva como activos estratégicos en el mercado del arte contemporáneo global.

2026-11-23

Art Basel destaca la propuesta plástica de Ladji Diaby en su serie ‘Meet the Artists’

La plataforma internacional Art Basel, en colaboración con la entidad editorial Nowness, ha presentado una nueva entrega de su prestigiosa serie audiovisual ‘Meet the Artists’, centrada en la figura del artista franco-maliense Ladji Diaby. El creador, afincado en la periferia parisina de Ivry-sur-Seine, abre las puertas de su taller para reflexionar sobre un proceso artístico que sitúa a medio camino entre la alquimia y la magia plástica.

La difusión de este perfil coincide con la celebración de su exposición individual ‘Godspeed You Black Emperor’, que se exhibe en la prestigiosa Galerie Crèvecoeur de París (Francia) y permanecerá abierta al público hasta el próximo 28 de noviembre de 2026. Este acontecimiento consolida el interés del coleccionismo internacional y de las galerías de arte contemporáneo hacia las nuevas narrativas del ensamblaje y la instalación escultórica.

Una narrativa articulada desde la memoria de los objetos cotidianos

Graduado en la emblemática École nationale supérieure des Beaux-Arts de París, Ladji Diaby construye su corpus conceptual a partir de la recolección e intervención de objetos de segunda mano y materiales cotidianos hallados en espacios como La Caverne des Particuliers, un célebre depósito de muebles usados en su localidad natal. El artista define su metodología como un labrado de la memoria donde emergen capas de identidad individual y colectiva.

En la muestra ‘Godspeed You Black Emperor’ en la Galerie Crèvecoeur, el creador integra figuras populares, elementos de la cultura visual contemporánea y símbolos de tradición espiritual, articulando una dialéctica estética que combina discurso político, carga poética y rigor compositivo.

Proyección ascendente en el mercado del arte contemporáneo

El reconocimiento institucional de Ladji Diaby ha experimentado un ritmo vertiginoso desde 2024, año en que celebró su primera exposición individual en un museo europeo en el Kunstverein Nürnberg (Alemania). Posteriormente, su presentación en Lafayette Anticipations en París confirmó su posicionamiento entre los valores emergentes con mayor potencial de revalorización en el circuito de galerías y ferias internacionales.

Para el coleccionismo especializado y los agentes del mercado del arte, el seguimiento de jóvenes figuras apadrinadas por firmas de referencia como la Galerie Crèvecoeur representa un indicador clave de las corrientes conceptuales que marcan tendencia en la creación plástica europea actual.

2026-11-28

El Getty Museum de Los Ángeles convierte las calles de París en un museo de arte a escala monumental

En una iniciativa internacional que celebra el 250º aniversario de la amistad franco-estadounidense y coincide con la efervescencia cultural del otoño parisino, el J. Paul Getty Museum ha desplegado seis reproducciones a escala monumental de obras capitales de su colección en emblemáticos espacios urbanos de París.

Organizado en alianza con la consultora y plataforma cultural L’Art dans la Ville, este museo efímero en plein air ofrece acceso gratuito e ininterrumpido las 24 horas del día hasta el 30 de noviembre de 2026. La intervención tiene como hito la célebre pintura Lirios (1889) de Vincent van Gogh, instalada a dimensiones arquitectónicas en la fachada exterior de la Gare de l’Est, ampliando la potencia visual y composición del maestro postimpresionista más allá del propio lienzo.

Un itinerario por las obras maestras del impresionismo y las artes plásticas del siglo XIX

La selección curatorial reúne piezas de incuestionable valor historiográfico y de mercado. El circuito urbano incluye Jeanne (Primavera) (1881) de Édouard Manet junto a la Rue du Louvre, Naturaleza muerta con manzanas (1893-1894) de Paul Cézanne en el cruce de Sèvres, Joven en su ventana (1876) de Gustave Caillebotte en Auteuil, Primavera (1894) de Lawrence Alma-Tadema en las inmediaciones de la catedral de Notre-Dame, y el Retrato de Joseph Roulin (1888) de Van Gogh en el Hôtel de Ville.

Cada soporte interactivo cuenta con códigos QR que permiten a coleccionistas, críticos y transeúntes profundizar en la historia material y técnica de cada pintura mediante los archivos digitales del museo. Esta apuesta por democratizar el patrimonio visual fortalece los vínculos del coleccionismo transatlántico y revitaliza el espacio público a través de la gran pintura del siglo XIX.

2026-11-30

El Museo de Orduña acoge ‘Activistas por la vida’ de Gervasio Sánchez

El Museo de Orduña, en Bizkaia, presenta la exposición fotográfica ‘Activistas por la vida’, un proyecto documental firmado por el reconocido fotoperiodista Gervasio Sánchez, Premio Nacional de Fotografía 2009. La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 13 de diciembre de 2026, documenta la realidad de 40 hombres y mujeres dedicados a la defensa del territorio, la naturaleza y los derechos humanos en Guatemala y Honduras.

Fotoperiodismo y compromiso social en el circuito expositivo de España

Organizada en colaboración con la entidad Herriarte-Entrepueblos, la exhibición plantea un recorrido audiovisual e interactivo compuesto por retratos, textos explicativos y videoentrevistas. El trabajo de Gervasio Sánchez —periodista estrechamente ligado a Aragón por su labor profesional y su dirección del Seminario de Fotografía de Albarracín en Teruel— visibiliza los riesgos de las comunidades campesinas e indígenas ante la explotación desmedida de recursos naturales en Centroamérica.

El proyecto se integra en una propuesta expositiva coordinada que conecta varias sedes en el País Vasco, compartiendo contenidos complementarios entre el Museo de Orduña y la Sala La Casona de Amurrio, reafirmando el valor del documento fotográfico como patrimonio cultural y herramienta de reflexión crítica dentro del mercado del arte y el coleccionismo contemporáneo en España.

2026-12-13

Las Atarazanas de València reivindican la libertad creativa de Miguel Ángel Campano

La ciudad de València vuelve a reencontrarse con la obra del maestro Miguel Ángel Campano (1948-2018), galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1996 y uno de los grandes nombres en la renovación de la pintura contemporánea española. La muestra, instalada en el singular marco histórico de las Reales Atarazanas del Grao, reúne una rigurosa selección de lienzos, bocetos, escritos y cuadernos de dibujo que recorren más de cuatro décadas de permanente experimentación visual.

Un diálogo entre figuración y abstracción bajo el comisariado de Carles Taché

Organizada conjuntamente por la Fundación Chirivella Soriano y el Ayuntamiento de València, la exposición cuenta con el comisariado del galerista y experto en arte Carles Taché. La propuesta huye del recorrido lineal convencional para estructurar un diálogo donde conviven las distintas etapas del artista: desde sus tempranos vínculos formativos con la capital del Turia hasta sus series más gestuales, geométricas y de investigación sobre papel.

En el plano del coleccionismo de arte y la historiografía pictórica española de los años ochenta —generación compartida con creadores como Miquel Barceló o José Manuel Broto—, la figura de Miguel Ángel Campano destaca por una inusual independencia frente a los imperativos del mercado de arte. La exposición en las Atarazanas del Grao estará abierta al público en València hasta el próximo 10 de enero de 2027, consolidándose como una cita imprescindible dentro de la agenda museística nacional.

2027-01-10

El Museo del Prado rescata la obra inédita de Ricardo de Madrazo en Madrid

El Museo Nacional del Prado en Madrid ha inaugurado la exposición «Ricardo de Madrazo (1852-1917): dibujos y acuarelas», una muestra inédita que saca a la luz la producción sobre papel del benjamín de una de las dinastías más influyentes en el arte español del siglo XIX. La exhibición, ubicada en la sala 60 del Edificio Villanueva dentro del programa Almacén abierto, estará abierta al público hasta el próximo 17 de enero de 2027.

Una maestría técnica ensombrecida por el entorno familiar

Comisariada por el conservador Pedro José Martínez Plaza, la exposición articula casi medio siglo de trayectoria creativa a través de cuadernos de bocetos, estudios preparatorios, acuarelas y un autorretrato. Pese a pertenecer a un linaje artístico fundamental junto a su padre Federico de Madrazo, su hermano Raimundo de Madrazo y su cuñado Mariano Fortuny y Marsal, la figura de Ricardo de Madrazo había permanecido relegada en la historiografía académica. La muestra pone de relieve su destreza técnica con el lápiz, la pluma y el pigmento acuoso, consolidada durante sus años de aprendizaje junto a Fortuny.

Cuadernos de viaje y estudio de grandes maestros

Gracias a la política de adquisiciones desarrollada por la pinacoteca entre 2006 y 2026, el museo ha reunido 29 cuadernos de trabajo del artista que documentan sus itinerarios artísticos por Tánger, Granada, Roma o Venecia, así como copias de maestros universales como Diego Velázquez realizadas en el propio museo. En palabras de Alfonso Palacio, director adjunto de conservación e investigación del Prado, se trata de una oportunidad excepcional para redescubrir piezas prácticamente inéditas esenciales para contextualizar la historia del arte y el coleccionismo histórico en España.

2027-01-17

Retrospectiva de Ghada Amer en Es Baluard: tres décadas de escultura y subversión textil

El museo Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma acoge la ambiciosa exposición monográfica «Ghada Amer. Sculpture Since 1991», abierta al público desde el 18 de septiembre de 2026 hasta el 31 de enero de 2027 en la capital balear. Comisariada por Clara Garau y David Barro, esta muestra examina más de tres décadas de trayectoria de la renombrada artista de origen egipcio Ghada Amer, poniendo un énfasis inédito en la evolución tridimensional de su producción, desde la pintura bordada hasta la escultura monumental en bronce, la cerámica y las intervenciones efímeras.

Un lenguaje tridimensional entre la cerámica local y el bordado político

Famosa por subvertir el lenguaje tradicional del bordado —asociado históricamente a las labores domésticas femeninas— para abordar temas como el deseo, la sexualidad, el lenguaje y la identidad, Ghada Amer despliega en Palma un recorrido técnico y conceptual de extraordinaria solidez. La exposición reúne piezas fundamentales de su catálogo como Five Women at Work (1991), Private Rooms (1998), Encyclopedia of Pleasure (2001) y la célebre estructura esférica 100 Words of Love, que marcó su consolidación en el campo escultórico hacia 2010.

Como novedad destacada para el circuito español, la muestra incorpora un corpus de esculturas cerámicas inéditas concebidas entre 2025 y 2026 junto al artesano Miquel Tomàs en el taller de Pere Coll en Pòrtol (Mallorca). Asimismo, el recorrido dialoga con la arquitectura del centro cultural mediante tres instalaciones hidráulicas creadas ad hoc para las terrazas del museo, vinculando el agua con la memoria histórica del paisaje mediterráneo.

Impacto en el mercado internacional y contexto institucional

Nacida en El Cairo en 1963 y afinada formalmente en Niza y Nueva York, la firma de Ghada Amer es una constante en las principales subastas internacionales y colecciones públicas como el Centre Pompidou de París, el Brooklyn Museum o el Guggenheim Abu Dhabi. La consolidación de su obra en España —donde sus intervenciones públicas como Esto nos salvará han recorrido Valencia y Bilbao— revalida la firme cotización de las prácticas feministas e interdisciplinares en el mercado del arte contemporáneo.

Este reconocimiento a las narrativas que deconstruyen los estereotipos de género coincide en el panorama cultural español con el reciente Premio Nacional de Artes Plásticas otorgado a la creadora sevillana Pilar Albarracín, evidenciando el interés sostenido del coleccionismo especializado y de las instituciones por artistas que combinan la ironía crítica, la performance y la resignificación de los oficios artesanales.

2027-01-31

El Museo Reina Sofía analiza los sesgos coloniales de la imagen con la artista Eli Cortiñas

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid presenta la exposición La máquina sueña con humo, un ambicioso proyecto de la artista canaria Eli Cortiñas (Las Palmas de Gran Canaria, 1979) ubicado en el Espacio 1 del Edificio Sabatini. La propuesta, accesible al público desde el 23 de septiembre de 2026 hasta el 8 de marzo de 2027, consolida la línea de investigación del museo dedicada al cine de exposición y al lenguaje videográfico contemporáneo.

Revisión de la colección y crítica a los algoritmos contemporáneos

El núcleo de la exposición surge de la invitación formal de la institución pública a Eli Cortiñas para revisitar y expandir su instalación videográfica de tres canales The Most Given of Givens [Lo más dado de lo dado] (2016), pieza clave adquirida recientemente para incorporarse a los fondos del Museo Reina Sofía. Mediante un laborioso trabajo de archivo con técnica de found footage, la artista contrapone metraje del cine comercial de aventuras con fragmentos etnográficos para poner al descubierto los mecanismos coloniales que moldearon la mirada occidental sobre África durante el siglo XX.

Asimismo, la creadora ha diseñado para la antesala del espacio una escenografía escultórica y espacial producida con apoyo de herramientas de inteligencia artificial y archivos comerciales. La intervención cuestiona la pretendida neutralidad de los algoritmos y la lentitud en los procesos de restitución de patrimonio en los museos europeos, constituyendo un punto de encuentro imprescindible para el debate sobre el coleccionismo contemporáneo, la curaduría crítica y la inversión en nuevos medios en España.

2027-03-08

El Banco de España revisita su patrimonio textil en diálogo con la creación contemporánea

La Sala de Exposiciones del Banco de España en la Plaza de Cibeles de Madrid acoge la exposición «El plano flexible. La colección de textiles del Banco de España», abierta al público hasta el 28 de marzo de 2027. Comisariada por Yolanda Romero, conservadora del banco central, la muestra reúne cerca de medio centenar de piezas que abarcan desde el siglo XVII hasta el arte contemporáneo del siglo XXI, resignificando la tapicería y la artesanía del tejido como una disciplina vertebradora de la arquitectura y la memoria colectiva.

De Anni Albers a las vanguardias contemporáneas del arte textil

El concepto vertebrador de la exposición toma como referencia teórica el ensayo The Pliable Plane: Textiles in Architecture (1957) de la célebre artista y tejedora de la Bauhaus, Anni Albers. La tesis de la muestra plantea que el tejido no actúa como un mero ornamento suntuario o elemento decorativo, sino como un dispositivo arquitectónico y político capaz de modular la luz, regular la acústica y articular el espacio institucional y doméstico.

El recorrido expositivo se divide en dos grandes bloques. El primero examina las colecciones históricas del Banco de España, destacando tapices y alfombras barrocas y clasicistas confeccionados por la Real Fábrica de Tapices o prestigiosos talleres flamencos e internacionales como los de Geraert Peemans, Urbanus Leyniers o Jacques Neilson. Estas piezas, concebidas originalmente para revestir estancias oficiales, reflejan el valor simbólico y la representación del poder de la institución bancaria.

Feminismo, trabajo y experimentación crítica en la creación actual

El segundo ámbito de la exposición aborda la reinterpretación contemporánea del textil como soporte de indagación social, política y de género. A través del trabajo de creadoras de reconocido prestigio internacional y nacional como Teresa Lanceta, Esther Ferrer, Elena del Rivero, Narelle Jubelin, Elo Vega, Yto Barrada, Patricia Esquivias, Mercedes Azpilicueta y Dora García, el hilo y la trama se transforman en herramientas conceptuales para reflexionar sobre la división laboral, el feminismo, el valor del trabajo artesanal y la memoria colectiva.

Esta muestra fortalece la divulgación del patrimonio histórico y el mercado de arte contemporáneo en España, situando el coleccionismo institucional en una posición de diálogo crítico entre la historia del arte clásico y las narrativas de vanguardia.

2027-03-28